Estas fueron las películas más destacadas de 2017. 

120 pulsaciones por minuto – Robin Campillo

Aunque pasó desapercibida por las carteleras nacionales, 120 pulsaciones por minuto mereció y merece mayor repercusión. Si los argentinos solemos estar particularmente atentos a dónde encontrar coterráneos que hayan alcanzado algún tipo de celebridad, sea por mérito propio o por circunstancias accidentales, en esta ocasión perdimos una oportunidad para autocelebrarnos. Porque 120 pulsaciones por minuto es la actuación consagratoria de Nahuel Pérez Biscayart, nacido en Parque Chas, cuyos papeles en El aura y La sangre brota cumplen ya más de 10 años y, por lo tanto, su cara quizá no resulta tan conocida. Nómade y con participación en películas francesas, españolas, italianas y alemanas, asume para este film del director Robin Campillo el papel de Sean Dalmazo, un joven activista político que, a principios de los 90s y como parte de Act Up, organización que lucha por los derechos de portadores y enfermos de HIV, reclama la acción del gobierno francés y las empresas farmacéuticas en la –ya no tan- flamante epidemia de dicho virus. Si bien el rol protagónico se lo lleva Pérez Biscayart, la película se construye sobre una estructura coral que retrata las dinámicas internas en Act Up, con sus disidencias, intervenciones públicas, antagonismos y dolor por los compañeros víctimas de la enfermedad. Premiada en Cannes y estrenada localmente en la 32° edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, su recorrido en salas comerciales fue más que restringido. Teniendo en cuenta el acotado circuito de cine de autor que tenemos en la Argentina, en esta oportunidad –así como en tantas otras-, vale la pena incursionar en el mundo de la descarga ilegal. María Victoria Moreno

Alanis – Anahí Berneri

Esta es la película donde Sofía Gala Castiglione demuestra que es una gran actriz y logra salir de la sombra de su madre: Moria Casán. Su interpretación genera empatía. Alanis es una trabajadora sexual que de un día para el otro se queda sin lugar donde ejercer su trabajo porque la policía allanó y clausuró el departamento. Ella no está sola, es madre soltera. Para no caer en situación de calle con su hijito, una amiga la aloja en un local de ropa y le consigue un trabajo limpiando casas. Alanis reniega de eso y hasta pasa momentos turbios por el Once tratando de conseguir clientes. Anahí Berneri, la directora, logra retratar pequeñas escenas de la vida cotidiana de una trabajadora sexual. La vemos pasarla mal, la estigmatizan y ella resiste los embates estoica. Es menester ver Alanis. Joel Vargas

Arrival – Denis Villeneuve

Esta película es una adaptación del cuento “Story of my Life” del escritor Ted Chiang. Amy Adams interpreta con heroísmo y suavidad a Louise Banks, una lingüista abrumada por recuerdos de una tragedia familiar y un matrimonio en decadencia, quien es contratada por la milicia estadounidense tras el arribo de 12 naves extraterrestres dispersas por todo el mundo. En medio de una guerra de egos entre las grandes potencias mundiales, la tarea de Louise es facilitar el contacto con los seres visitantes en su país y descifrar su misión en nuestro planeta. Frente a otras películas con premisas similares, Villeneuve se luce al tomarse el tiempo necesario para contar su historia, dejando de lado lo que esperaríamos de una película sobre una invasión de otro planeta: ostentosas escenas de acción y CGI desperdigadas al servicio de una historia vacía. Sucede que a La Llegada no le interesa un posible conflicto entre los extraterrestres y los humanos, sino la división entre estos últimos. Para abordar este tema colmado de actualidad, la película se hace de su propio ritmo, resultando en una experiencia un poco más reflexiva y menos espectacular. María Almazán

Baby Driver –  Edgar Wright

 

Entre robos a mano armada y un romance que se agiganta minuto a minuto, la última película de Edgar Wright es un homenaje al cine clásico y un canto a la melomanía. El director, célebre por la trilogía de Cornetto, presenta un camino del antihéroe y, más allá de algunos clichés, forja un relato de acción luminoso que demuestra que aún se pueden hacer grandes filmes tomando elementos de la mejor tradición cinematográfica. El reparto es de lujo: Jamie Foxxx, Jon Hamm, Eiza Gonzalez, Flea de RHCP, Jon Bernthal, Paul Williams y Ski Ferreira. Baby, un brillante Ansel Elgort, es un joven huérfano devenido en experto conductor que funciona como el que maneja en los robos orquestados por el mafioso (hoy un inefable personaje público acusado de una infinidad de abusos sexuales) Kevin Spacey. Así paga sus deudas hasta que se topa con Debora (Lily James) y sus intereses cambian. La estética homenajea al cine de robo de bancos, las road movie de David Lynch, la violencia estética de Quentin Tarantino, los autos y cantinas del cine de los 50 y a los gangsters de Martin Scorsese. Todo esto tamizado por la obsesión de Baby por escuchar música todo el tiempo, algo que sirve como un hilo conductor atrapante y pasea al espectador por hits de Lionel Ritchie, Queen, The Damned, T-Rex y muchos otros. Una fórmula a prueba de fallas. Pablo Díaz Marenghi

Charco – Julián Chalde

Pablo Dacal indagó durante cinco años sobre la canción rioplatense. Cruzó varias veces el Río de la Plata, entrevistó músicos de diferentes géneros en Buenos Aires y Montevideo: Fito Páez, Fernando Cabrera, Pablo Lescano, por citar algunos. Charco: Canciones del Río de la Plata es un documental, dirigido por Julián Chalde,  que indaga en la conexión de los cantantes de ambas costas. ¿Qué melodías compartimos argentinos y uruguayos? El film es una suerte de continuación del libro Cancionistas del Río de la plata, de Martín Graziano, ya que él se encarga del guion y de la producción periodística. Durante toda la película, se van mechando testimonios y versiones de canciones populares, por ejemplo: “No soy un extraño”, de Charly García, interpretada por Dacal y Páez; “Fuiste”, de Gilda, cantada por Sofia Viola; “El tiempo está después”, de Cabrera, versionada por Jorge Drexler y Luciano Supervielle; entre otras. Charco se preestrenó en 2017 en el BAFICI y este año se espera su estreno, hay que estar atentos. Joel Vargas

Dunkirk – Christopher Nolan

Una masa de 400 mil soldados británicos aguarda desesperanzada sobre la playa francesa que su gobierno logre hacerlos cruzar el Canal de la Mancha, rodeados por el Blitz alemán, a fines de otro Mayo francés famoso, el de 1940, el de la capitulación de París a los pies de Hitler, apenas un año después del inicio de la Segunda Guerra. De alguna manera, y aquí está el énfasis que Christopher Nolan elige deliberadamente, es el pueblo el que logra salvar a sus muchachos del desastre continental: son los botes particulares manejados por personas comunes los que logran el milagro, porque los grandes calados de los barcos de la Marina encallan en la baja costa. Un triunfo colectivo, imposible de lograr desde los planes pero realizado con el sacrificio sin heroísmos que quizás sea el principal mérito visual del film, repartido el protagonismo entre varios escenarios que se dan en simultáneo y son retratados con maestría desde ángulos diferentes. Esto que fue historia, también puede ser leído como presente; si me permiten, Dunkirk es –voluntariamente o no- la primera película sobre el Brexit. Ahora mismo suena descabellado, pero piénsenlo un momento si ya la vieron y después me cuentan. Sólo por eso y por falta de espacio, afirmo que se trata de una de las películas del año que se nos pasó. Sebastián Rodríguez Mora

Get Out – Jordan Peele

Un consejo antes de ver este filme: cuidado con las expectativas. Si uno se deja guiar por las etiquetas, pensará que Get Out es una más de terrror. Sin embargo, la opera prima de Jordan Peele es algo más. Nominada al Oscar como Mejor Película (una de las grandes sorpresas) cuenta la historia de Chris (Daniel Kaluuya) y su novia Allison (Rose Armitage). Esta lo invita a pasar unos días en la casa de sus padres para presentárselos y, al principio, a él la idea lo inquieta. “¿Les contaste que soy negro?” dice y ella afirma que sus padres son súper abiertos, que no será un problema. Al principio todo parece normal. Sin embargo, todo comienza a desbarrancar y el relato toma rumbos inesperados que lindan con lo surreal, lo onírico y hasta con el culto vudú. Producida por Blumhouse, acostumbrados a generar cintas de terror atípicas, le da una vuelta de tuerca atractiva al género, perturba al espectador y lo corre de su zona de confort. Hasta hay momentos para la comedia negra y lo bizarro. Todo puede leerse en clave satírica ya que trabaja sobre cuestiones étnicas que dan en la fibra más podrida de la cultura estadounidense. Con un presupuesto de 4 millones y medio de dólares, lleva recaudados más de 252. En tiempos de hiper abundancia de pochoclo, esta película se vuelve un gesto de irreverencia encantador. Pablo Díaz Marenghi

Hell or High Water – David Mackenzie

El brillante guion original de Taylor Sheridan, acompañado por una notable banda de sonido a cargo de Nick Cave y Warren Ellis, demuestra que la pareja de los “forajidos” y la pareja de “la ley” son más simétricas que antagónicas y que el verdadero enemigo es el omnipresente sistema financiero que está en las piedras y en el aire, y contagia los cuerpos y las mentes de una enfermedad que es dejada estratégicamente de lado de los tratados de psiquiatría: la pobreza. Toby (Chris Pine), Tanner (Ben Foster), Marcus (Jeff Bridges) y Alberto (Gil Birmingham) están condenados a habitar la tierra estéril de la civilización moderna. Nada florece en el progreso y los sueños se pagan con algo más que dinero. El director inicia su noveno largo con una frase en un muro y elige cerrarla con un enfrentamiento verbal. Su apuesta por la palabra es clara. Acaso el cine sea uno de los pocos espacios fértiles para hacerle frente al fin de la historia. Martín Escribano

It – Andrés Muschietti

El proyecto de volver a adaptar It cargaba con el peso de una antecesora de culto: la película para TV de 1990 dirigida por Tommy Lee Wallace con Tim Curry como Pennywise. Este payaso asesino era una entidad demoníaca que se alimentaba de la maldad de Derry, pueblo ficticio creado por King donde ocurría la acción. El argentino Andrés Muschietti se encargó de revitalizar esta historia, serle fiel al libro y plantear una narración en dos que altera la estructura de flashbacks recurrentes en la novela: la primera parte, estrenada en 2017, aborda el primer ataque del payaso en los ochenta (otro cambio, en la novela ocurre en los sesenta) en donde varios niños desaparecen y el club de los perdedores (un grupo de preadolescentes que andan en patota y son agredidos por los más grandes) lo enfrenta con su mayor arma: la amistad. La película conmueve y homenajea a grandes cintas de los ochenta, como Los Goonies o Cuenta Conmigo. En este sentido, no es casual la elección de Finn Wolfhard (Stranger Things) como Richie. El nuevo payaso, interpretado por Bill Skarsgard, está a la altura. La nueva Beverly (Sophia Lills) emociona ante el sufrimiento por un padre abusivo. Resta esperar para ver cómo continúa la historia, con los perdedores ya adultos intentando recuperar el poder de su amistad. Pablo Díaz Marenghi

Jim & Andy: The Great Beyond – Chris Smith

“Lo que añoramos es nuestra propia ausencia” dice un Jim Carrey barbudo, curtido, alejado del histriónico comediante que se volvió una estrella en los noventa, con películas como Tonto y Retonto, La Máscara o Ace Ventura. Dirigido por Chris Smith, este documental utiliza material de archivo registrado durante el rodaje de Man on the Moon (1999), película en donde Carrey encarna al comediante Andy Kaufman. Lo interesante es ver cómo el actor se terminó convertiendo en Kaufman hasta en los momentos de descanso entre filmación y filmación, irritando hasta al hartazgo al director y a todo el equipo con bromas pesadas. Carrey no actuaba de Kaufman: Carrey era Kaufman las 24 horas del día. Este trabajo fue determinante para su futuro, poniéndolo en jaque en muchos aspectos y obligándolo a replantearse ideas en torno a la fama y la trascendencia mediática. Alejado de los grandes estudios de Hollywood, Jim expone sus miserias y reflexiona acerca de algo habitual en las personas obligadas a hacer reir: una profunda angustia existencial. “Estar ahí, con todo lo que uno podría soñar y ser infelíz” arroja y clava un dardo en el corazón de todos los derrotados. Pablo Díaz Marenghi

Logan – James Mangold

El Batman de Nolan ni se acercó a la intimidad sudorosa que Logan ya presentaba en su primer tráiler. Suena “Hurt” de Jonny Cash, leitmotiv para el mutante que se regenera en segundos. La película introduce una violencia novedosa para el género. No son los delincuentes que se obstinan en ser masacrados por un viejo inmortal. Se trata del trabajo. Nada de profesiones liberales, Logan es un empleado tercerizado por una app de limusinas. Se parte la espalda para para ahorrar y jubilarse. Ya no lo sustentan fondos oscuros de la filantropía. Luego aparece la infancia. Nada de que el poder trae responsabilidad, trae muerte. Para vivir los niños y niñas deben convertirse en monstruos. El legado es uno de los temas de la película, pero las enseñanzas de Wolverine a X2 se centran en cómo mantener la empatía en un mundo asesino. Los superhéroes contemporáneos se dividen en dos grupos. El que mide sus hazañas según los chistes por minuto y el oscuro, cuyas tinieblas solo alcanzan a la paleta del CGI. Logan es una combinación atrevida, última variante para un personaje que recorrió el camino del héroe en siete películas. Matías Buonfrate

Manchester by the sea – Kenneth Lonergan

Lee Chandler (Casey Affleck) trabaja arreglando departamentos en Boston. En las primeras escenas de la película lo vemos lidiando con la cañería del inodoro de una inquilina o trabajando sobre una ducha que pierde. En uno de esos arreglos, Lee discute con una mujer y abandona la casa en plena tarea. Más tarde se lo verá tomando algo en la barra de un bar. En toda esa escena, y antes de que termine agarrándose a piñas con dos hombres, Lee aparece con el gesto adusto que va a mantener durante toda la película y desde el cual podemos intuir que algo anda mal en él, o, sobre todo, que algo le salió mal en algún momento de su vida. Tras un llamado, en el que le avisan que su hermano murió, debe regresar a su pueblo natal, del que se fue hace años y (acá está el núcleo de la historia) huyendo de un acontecimiento trágico. El problema surge cuando la misma frialdad que transmite el personaje de Chandler, un hombre evidentemente golpeado por la vida, se contagia por momentos a la narración de la historia. Las críticas elogiosas que recibió Casey Affleck por su actuación, con un Oscar incluido, quizás se deban mucho al acierto del director Kenneth Lonergan en elegirlo para un tipo de papel como éste, el de un hombre totalmente inexpresivo, que se adecúa a las limitaciones del aún así más talentoso de los hermanos Affleck.  Alejo Vivacqua

Moonlight – Barry Jenkins

Un niño negro en un barrio de afroamericanos en Miami tiene una vida de mierda. Frente a todo lo que vive, existe una luz que le muestra una pequeña grieta donde escaparse. Moonlight es un drama basado en la obra In Moonlight Black Boys Look Blue de Tarell Alvin McCraney y es dirigida por Barry Jenkins. La película se divide en tres capítulos: “Little”, “Chiron” y “Black”. Los tres hablan de distintos momentos de la vida de Chiron y en cada capítulo un actor distinto hace de él. Durante el final de la ceremonia de los Oscars se anunció el premio a la mejor película. Por un error en los sobres los presentadores Warren Beatty y Faye Dunaway le dieron el premio a La La Land, el film de Damien Chazelle. En el medio de los agradecimientos del equipo de la película, avisaron que Moonlight era la verdadera ganadora. No se ha recordado un error igual en la historia de los Oscars. Algunos interrogantes surgen a partir de la premiación. ¿Fue una decisión políticamente correcta? ¿No es esta historia un cúmulo de categorías para la discriminación: pobre, negro, gay? Puede que Moonlight sea políticamente correcta pero como discurso social sirve para recordar que el machismo está en todos lados, hasta en los discriminados por otras causas. Que la pobreza puede contarse desde distintos lugares y contarlo desde la lástima es el peor. ¿Es un mensaje optimista finalmente el de esta historia? Buscar que el cine dé una enseñanza es una idea antigua y pasada de moda. Mejor pensar al cine como un arte que cuenta historias, algunas como estas quedarán más en la memoria. Ayelén Cisneros

Mother! – Darren Aranofsky

Amada y odiada por partes iguales, Mother! es una montaña rusa de emociones. Es la mejor película de Aranofsky hasta la fecha, se arriesga, va más allá. Cuenta con un elenco de estrellas: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, en cada escena llevan la tensión al límite. El argumento al parecer es simple, un escritor (Bardem) vive en una casa en el campo junto a su mujer (Lawrence). Él está tratando de encontrar otra vez la inspiración para volver a escribir, ella reconstruye la casa después de un incendio. Su tranquilidad se ve alterada con la llegada de un hombre (Harris), un fanático del escritor. Hasta ahí estamos ante la típica película de suspenso: un factor externo contamina la cotidianidad. Pero no todo es lo que aparenta, el film entra en un ritmo narrativo vertiginoso. Llena de guiños religiosos, Mother! es la biblia según Aranofsky: intensa, emocional y bien cruda. El epíteto que mejor le queda: obra maestra. Joel Vargas

Okja – Bong Joon-ho

Es difícil pensar en un cambio de etapa tan notorio como el de un cine que se achica cada vez más. Lejos de entrar en una crisis (al menos financiera, mejor no hablar de la creativa), el cine es un mercado en constante expansión. Cuando hablamos de achicarse, nos referimos a la plataforma: cada vez de manera más veloz las producciones están salteando su estreno en pantallas grandes para ser realizados en su versión online, por streaming. Tal es el caso de la última obra del cineasta sur-coreano Bong Joon-ho, Okja, su sexto largometraje. Estrenada en julio en Netflix, la película que co-dirigió con el estadounidense Jon Ronson, levantó un número nada despreciable de críticas al llevarse la Palma de Oro en Cannes sin haberse estrenado en el tradicional formato de salas comerciales. Por muchos años se intentó contar de manera inteligente la problemática ambiental en el cine, no siempre se lo hizo de una manera que no deje al espectador con la sensación de haber recibido una inyección de moralina innecesaria. Iván Piroso Soler

Paterson – Jim Jarmusch

Jim Jarmusch construye en Paterson una película distinta de sus últimos largometrajes, Solo los amantes sobreviven o Flores rotas. Si en estas últimas Jarmusch se enfocaba en la búsqueda de sosiego en el tiempo presente a través de la resolución del pasado, en Paterson dicha búsqueda llega a su fin y el ánimo que prima es calmo, apacible, tranquilo. La poética del director se deja ver en los pequeños detalles que, si no fuera por la armonía del largometraje y de su protagonista, pasarían desapercibidos. Paterson es un haiku, ese tipo de poesía japonesa breve y construida sobre la emoción que motiva la contemplación de la naturaleza. Porque lo que hace Paterson es contemplar su cotidianidad y motivarse con ella. Son las pequeñas cosas lo que condimentan el día a día: la conversación de los pasajeros en el colectivo, la tipografía de la caja de fósforos, la felicidad que produce ver el fondo del vaso de cerveza. Y en esas pequeñas cosas que condimentan el día a día, uno de las especias más exóticas pero no por eso escasa es la coincidencia. María Victoria Moreno

 Star Wars: Episodio VIII – Los últimos Jedi – Rian Johnson

El filme, escrito y dirigido por Rian Johnson, marca un hito en la historia de la space opera más famosa de todos los tiempos y se gana un lugar en el podio (junto con Episodio IV y V). Como le corresponde a los segundos actos, aquí hay emoción desenfrenada, conflicto desde el minuto cero, continuidad y desarrollo de los arcos argumentales de los nuevos protagonistas (Rey, Poe Dameron, Finn, Kylo Ren), nuevos personajes (DJ, Amilyn Holdo, Rose Tico) animales y escenarios, hitos consagratorios para los históricos (Luke y Leia) y fluidos guiños cómicos a cargo de los mismos de siempre que nunca fallan (C3PO, R2D2, Chewbacca y hasta Yoda). También, hay respuestas a dilemas planteados por la entrega anterior que quizás no satisfagan a muchos (el origen de Rey, el rol de Snoke) y tal vez la extensión (152 minutos) sea algo excesiva. Lo cierto es que Johnson construyó una trama redonda, con el agregado de un ojo estético notable, que potencia el espíritu de un relato que va más allá de sables láser, Jedis y naves espaciales: aquí se explora, bajo un tamiz de entretenimiento y emoción muy bien forjado, el dilema entre el bien y el mal, el camino del héroe que a Lucas tanto le fascina, y un entramado político que invita a la reflexión sobre el poder, la dominación y la resistencia. Pablo Díaz Marenghi

Split – Shyamalan

Shyamalan se mete con un tema para nada sencillo como es el de los secuestros de mujeres. Es difícil esquivar la polémica: el tema central no es la desaparición forzada de personas sino que coloca el foco en la problemática que aqueja al secuestrador, otro tema no desligado de debate como es la disociación de personalidades. McAvoy interpreta a Dennis y a Patrice y también a la Bestia, como a otras 21 personalidades más. Lo hace de manera desencajada, atroz, intensa. Sin embargo lo que llama la atención es la interpretación de Anya Taylor-Joy, la joven actriz que se alzara con el protagónico de The Witch, la obra majestuosa de Robert Eggers del año 2016. Split conecta al director hindú con los inicios de su carrera, incluso, en cierto punto, de manera explícita. Con un presupuesto mucho más acotado al que utilizó en sus últimos films pudo potenciar los recursos que otrora lo llevaron a la primera plana en sus inicios. Con una construcción más por climas que por despliegue escénico y con puro método de los actores, Shyamalan logra reducir los espacios generando un laberinto dramático por demás intrigante. Cada elemento de la puesta de escena está colocado por una razón, sólo resta seguir las pistas que nos llevarán, gratamente, al principio. Iván Piroso Soler

Thor Ragnarok – Taika Waititi

El dios del trueno está de vuelta en, tal vez, su mejor película hasta el momento. El rubio se encuentra preso en un mundo post apocalíptico en donde un líder mesiánico (Jeff Goldblum) se divierte con luchas grecoromanas entre mutantes y marcianos. Allí se encuentra con un Hulk que se volverá su compañero de aventuras y lo ayudará a devolverle la paz a Asgard, acechado por la malvada Hela (Cate Blanchett) . Las dosis de comedia bien dosificadas, la solidez del guión, la espectacularidad visual y el atractivo artístico de la puesta en escena, convierten a este filme en una de las entregas más sólidas del universo cinematográfico de Marvel. Hay momentos para lo mitológico, como en todas las Thor, para los arrepentimientos, las dudas, los miedos y los gestos de valentía. Incluso Thor deberá controlar su temperamento si quiere estar a la altura de su reino. De nuevo brillan Chris Hemsworth, como el héroe nórdico, y Tom Hiddleston (Loki) que va camino a convertirse en uno de los villanos más encantadores de la cultura pop. Párrafo aparte para la simpática Valquiria (Tessa Thompson) una guerrera que huye de sus orígenes milenarios para refugiarse en el alcohol y se vuelve una aliada clave. No es sólo una tonta película de superhéroes: aquí hay momentos para la reflexión en torno al poder, la rebelión, la hermandad y la justicia. Marvel Studios revalida su potencial y deja a sus fans con ganas de más. Pablo Díaz Marenghi

Voyeur –  Myles Kane, Josh Koury

Este documental, dirigido por Myles Kane y Josh Koury, recrea el encuentro entre Gay Talese -leyenda del Nuevo Periodismo norteamericano- y Gerald Foos, dueño de un hotel yanqui de carretera que se dedicaba a espiar, por los ductos de ventilación, a sus clientes que se alojaban para darle rienda suelta a sus perversiones sexuales. Esto desembocaría en un libro, El hotel voyeur (2016), y en varias polémicas que pusieron a Talese entre la espada y la pared de la ética periodística. El relato audiovisual expone no sólo la metodología de trabajo de Talese, conformando un bello homenaje al periodismo de mediados del siglo XX, sino también una reflexión sobre la perversión sexual y la relación entre el periodista y la fuente. Utiliza reconstrucciones, ficcionalizadas donde se le da vida, mediante actores, a las parejas espiadas por Foos. También aparecen pequeñas maquetas muy bellas que reconstruyen el hotel. De a poco se irá develando como Foos tergiversó los hechos y ocultó ciertos detalles que harán tambalear la investigación de una leyenda de la prensa moderna, a punto tal de llevarlo a cuestionar toda su carrera. Pablo Díaz Marenghi

 Wonder Woman – Patty Jenkins

Wonder Woman trabaja de manera efectiva y efectista la presentación de la trama inicial del comic, una puerta de entrada dorada y brillante para espectadores que no son lectores minuciosos ni dedicados del universo de superhéroes. Para aquellos que sí lo son y aguardaban el film con el ansia del fan, la película repone la presentación de los personajes con aciertos que no desbordan el imaginario, pero donde tampoco arriesga ningún giro. Que Patty Jenkins sea la primer directora mujer en llevar adelante un film de superhéroes ¿es una cruzada ganada en la industria cinematográfica o un guiño acomodaticio de DC? En términos de igualdad económica, ¿ganó lo mismo que directores varones? La respuesta no es inmediata y sobre todo, no deberíamos conformarnos en la comodidad. Que sea la primer directora en llevar adelante un film de estas características es un placebo en una industria cuyos porcentajes son históricamente desiguales. Gabriela  Clara Pignataro

Zama – Lucrecia Martel

Podría decirse que si la novela de Antonio Di Benedetto está dedicada las víctimas de la espera, los mil y un obstáculos que tuvo que atravesar Lucrecia Martel para presentar el que es su primer film de época y su primera adaptación literaria supusieron una excesiva espera que derivó en una perfecta anomalía. Porque el poder cautivante de Zama es de una rareza que no agota su poder en la mera fascinación. Hay en ella una suerte de “extranjeridad” condensada, ajena a cualquier cosa que pueda verse hoy, del mismo modo que Twin Peaks supera la lógica de las narrativas tradicionales para adentrarse en lo otro. Al igual que David Lynch, Martel es, como se dice habitualmente, “una distinta” y Zama simplemente se desmarca del resto, juega su propio juego, baila a su propio ritmo, toca su propia música, hace de la arritmia una norma. Martín Escribano